Il cinema è un linguaggio oltre le parole, uno che parliamo indipendentemente da dove veniamo. Ci consente sia di proporre che di assorbire idee attraverso immagini e suoni, raccontando storie che trascendono i confini pur rimanendo specifici per le nostre esperienze. Tuttavia, nonostante la nostra costante fissazione per la discussione di cinema, spesso mi chiedo quanto ci stiamo davvero comprendendo.
Il critico Matt Zoller Seitz una volta ha scritto che rifiutarsi di impegnarsi con la forma del film è come “[Rifiutando] di impegnarsi con il cuore di un'opera. Il cuore di un film, il cuore di un episodio televisivo, potrebbe essere contenuto in un'immagine o in un taglio. ' Non ha torto e la citazione spesso mi spinge a controllarmi ogni volta che parlo della storia come qualcosa di separato dalla tecnica. Il cuore di un film, il cuore di un episodio televisivo, potrebbe essere contenuto nel modo in cui viene raccontato.
Netflix's The Haunting of Hill House ha giustamente attirato l'attenzione per “Two Storms”, il suo sesto episodio, che si è svolto in una serie di lunghe riprese. La maestria tecnica nell'assemblare l'episodio non può essere elogiata abbastanza, anche se ciò che spesso non viene menzionato nelle discussioni è il motivo per cui presentare in questo modo, dai venti ai trenta minuti alla volta, è stata la decisione giusta. La stessa trama avrebbe potuto essere riprodotta facilmente su una copertura tradizionale, ma impedendo ai personaggi di sfuggire alle orbite l'uno dell'altro, lo spettacolo aumenta le tensioni interpersonali che si sono sviluppate per tutta la stagione. Un perfetto miscuglio di storia e racconto.
Adoro questo periodo dell'anno, in cui ognuno crea la propria lista di preferiti unica, spesso profondamente personale. Ne ho già fatti due, circa le migliori opere della diaspora asiatica ei migliori film indiani dell'anno, ma qui, mi sono ritrovato a voler discutere i motivi specifici per cui ho amato le cose che ho fatto. È impossibile ridurre un film - un complesso sistema di decisioni, intenzioni e risposte emotive - a un singolo fattore, ma 'il cuore' di queste opere mi è saltato addosso in modi che non dimenticherò presto.
çawa jiyana xwe vegerînim ser rê
Adoro ogni film in questa lista per una miriade di motivi per cercare di riassumerli, tuttavia, ha iniziato a formarsi un'immagine. Il cinema mi ha insegnato molte cose quest'anno. Sullo storytelling, sul mondo e su me stesso, e se riesco a ripagare i film in questione consigliandoli, o discutendo in cosa si sono distinti, lascio il 2018 soddisfatto.
Primo, alcune menzioni d'onore.
io amo l'editing in Roma , che ci dice tutto ciò che dobbiamo sapere sulle sue dinamiche caratteriali senza una sola parola. io amo la scenografia decorata di Padmaavat e come ti trascina nella sua storia. Amo come Mayurakshi e Fauna selvatica trattenere i loro attori solo un po 'ma più a lungo prima di tagliare, raccontando storie attraverso colpi di reazione. Amo come Pantera nera incorpora la filosofia afrofuturista in ogni costume e set, creando una narrazione di fondo completamente separata dall'azione.
io amo Come Metà degli anni '90 inquadra l'incertezza . io amoCome Il preferito regola la serietà con cui lo prendiamo ogni volta che cambia obiettivo. io amo Come Il suo odore serpenti intorno ai corridoi tortuosi per riflettere un senso di sé in rovina. Adoro le esibizioni in È nata una stella il dramma attraverso la postura e il movimento è gravemente sottovalutato. Ho sentimenti contrastanti Primo uomo , ma adoro il modo in cui i suoi enormi minuti finali, girati a pieno formato da 70 mm IMAX, amplificano le emozioni su vasta scala, rispettando la promessa stessa del film ditrovarenuovi modi di vedere. E, naturalmente, mi piacetutto ciò che riguarda Into the Spider-Verse , un'ode appropriata al linguaggio visivo nella sua totalità.
10. Blindspotting (Carlos López Estrada)
Paese: USA
Lingua inglese
Energia.
Quello che sembra il film più dormiente del 2018, Blindspotting è, soprattutto, una magnifica performance. Il suo sfondo è il razzismo istituzionale, che contrappone Collin Hoskins (Daveed Diggs, i.e. Hamilton Originali Lafayette e Jefferson) contro un sistema di incarcerazione e brutalità della polizia. Tuttavia, considera sia il periodo di libertà vigilata di un anno di Collin che la sparatoria della polizia a cui è stato testimone - quella di un padre nero disarmato - come eventi normali. Ogni giorno pesano su Collin, interrompendo le sue corse mattutine con visioni da incubo. Diggs combatte battaglie opposte qui, portando in superficie gli effetti duraturi del trauma mentre è costretto a scrollarsene di dosso nello stesso respiro, ma questi traumi, queste grandi ingiustizie, non sono la trama più ampia del film. Sono, invece, i meri meccanismi della vita di Collin i termini della sua esistenza come uomo di colore.
Il miglior amico di Collin, il collega traslocatore di mobili Miles (il co-produttore di Diggs, Rafael Casal) è un uomo bianco nato e cresciuto a Oakland. Parla lo slang, sa leggere le strade e, dato l'ambiente circostante - un migliore amico nero, una moglie nera, persino un figlio nero - si è svegliato, per mancanza di termini migliori, e si è sintonizzato con le sfumature dell'antiblackness. Sa quali fotografie la stampa utilizzerà per la polizia e la vittima prima che si interrompa la storia della sparatoria. Al piano terra, in grado di entrare in un parrucchiere nero e vendere al suo proprietario piastre per capelli usate, un momento esilarante ed emozionante. È quel ragazzo. Quell'amico che sa cosa succede, usa quanto basta AAVE per evitare il mimetismo (anche se per lui è una lingua madre) ma non si avvicina mai a nessuna variazione della parola N, anche per sbaglio, nonostante il soprannome sia stato lanciato nella sua direzione. La trama, in poche parole, è Collin che naviga negli ultimi tre giorni della sua libertà vigilata, ma dove le cose si complicano è il tempo che trascorre con Miles.
Miles ha una serie violenta e il suo aggirare la legalità mette a rischio Collin. Nonostante la maggior parte del film si concentri su scatole mobili duo, il suo punto cruciale sono i diversi modi in cui navigano negli spazi. Durante una determinata attività, che sia seduto nel traffico o addirittura camminando in un minimarket, le diverse energie che Diggs e Casal portano avanti riempiono la cornice di una tensione palpabile. A Collin, a differenza di Miles, non verrà concesso il beneficio del dubbio, e anche se non si scontrano su questo fino alla fine del film, il sottile contrasto nelle due performance pianta il seme con precisione.
I movimenti di Casal, il suo tono di voce, anche il tempo in cui mantiene il contatto visivo, trasmettono lampi di sicurezza di sé che Collin semplicemente non può permettersi. Invece, Diggs rimane sempre leggermente più cauto. I suoi occhi stanchi di tanto in tanto abbandonano la conversazione per valutare l'ambiente circostante, trasformando scene altrimenti banali in esplorazioni. Mentre alla fine analizza i preconcetti razziali (portando a confronti esplosivi), Blindspotting rimane concentrato sugli effetti a lungo termine dell'essere messi in una scatola, che Collin e Miles esprimono sotto forma di rilassato stile libero. Le lotte quotidiane essere preconcetti , che vivono in un mondo in cui i ragazzi neri hanno bisogno di opuscoli e di pratica per alzare le mani.
9. Bhasmasur (Nishil Sheth)
Paese: India
Lingua: hindi
meriv çawa bi kesekî re rûdine
Spazio.
Bhasmasur è una storia di amore duro e innocenza perduta. Ambientato in un villaggio devastato dalla siccità nel Rajasthan, è incentrato su un ragazzino, Tipu (Mittal Chouhan), il suo amato asino domestico Bhasmasur e suo padre Dhaanu (Imran Rasheed), che ha bisogno di vendere l'animale per disperazione. Mentre il trio si imbarca in un arduo viaggio in città, Dhaanu è costretta a mostrare a Tipu le corde quando si tratta di sopravvivere. Come padre che non può permettersi di essere vulnerabile, le azioni di Dhaanu nascono da un complesso vortice di amore e rabbia - sentimenti complicati che Tipu restituisce in egual misura.
Nishil Sheth e D.P. Shrish Tomar esplora, attraverso gli occhi di Tipu e Dhaanu, la bellezza e le difficoltà dell'India rurale, dai contorni del terreno accidentato alla luce del sole dorata che brilla sulla sua superficie. Dopo giorni di viaggio senza acqua e dopo l'accumulo di gravi tensioni emotive, la coppia padre-figlio arriva in una splendida oasi. Si schizzano e si legano, in una scena composta principalmente da scatti ampi, ma utilizza obiettivi lunghi / teleobiettivi, appiattendo l'immagine e rendendoli parte di un bellissimo dipinto di paesaggio. Il film offre loro abbastanza spazio per giocare lateralmente, lungo un ampio spazio aperto, unendosi e separandosi a piacimento.
Più tardi, tuttavia, quando i due girano insieme su una ruota panoramica, Dhaanu è sull'orlo di una decisione difficile. Un obiettivo grandangolare li cattura da vicino, la loro goffa energia confinata dalle pareti della carrozza, facendoli sentire più vicini del normale. Il contrasto di queste due scene rappresenta perfettamente le difficoltà del loro rapporto: un padre, costretto dalle circostanze a sottoporre i suoi figli a una suoneria emotiva. Stare vicino a qualcuno fino al punto di soffocare, anche qualcuno che ami, non è salutare, ma Tipu e Dhaanu non sembrano avere scelta. Poche persone lo fanno quando muoiono di fame.
8. Alta vita (Claire Denis)
Paese: Francia, Germania, Polonia, Regno Unito, Stati Uniti
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Lingua inglese
Memoria.
Dal critico Bilge Ebiri, gli autori fanno alcuni dei migliori lavori nello spazio . 'Il vasto vuoto del cosmo', spiega, 'riesce a far emergere il lato più sperimentale di un regista'. Questo è indubbiamente vero per Claire Denis e il suo piccolo passo in un mondo più grande, Alta vita , che riflette l'isolamento senza speranza dell'umanità sull'orlo dell'annientamento, o forse anche dopo. Il prigioniero della stazione spaziale Monte (Robert Pattinson), l'ultimo uomo a bordo e, per quanto ne sa, l'ultimo umano adulto rimasto, passa il tempo a bilanciare un neonato con la responsabilità di mantenere il supporto vitale della nave. Il film si interrompe a intermittenza fino a mesi o anni prima, quando la nave - che si allontanava dalla civiltà alla velocità della luce - era popolata da una manciata di altri detenuti (Mia Goth, Lars Eidinger, André Benjamin, Agata Buzek, Claire Tran, Gloria Obianyo) , tutti scacciati dalla Terra come cavie della fertilità per gli esperimenti del Dr. Dibbs (Juliette Binoche).
Da entrambi questi punti della storia, il montatore Guy Lecorne di tanto in tanto torna a una Terra che potrebbe non esistere più. Vediamo scorci del passato dei personaggi, soprattutto durante l'infanzia, anche se i ricordi che stiamo vedendo non sono sempre chiari. Amici sui treni. Cani vicino al fiume. Piccoli rancori che si facevano violenti tra gli alberi. Dettagli rurali e astratti delle vite e delle decisioni che li hanno portati qui.
Questi flash non sono motivati narrativamente nel senso tradizionale - uno, sulla politica di condannare i prigionieri alla freddezza del cosmo, non è legato a nessuno sulla nave - ma la presentazione di questi ricordi conferisce loro una qualità tattile. Girato dal direttore della fotografia Yorick Le Saux su una pellicola granulosa in 16 mm, la commovente foschia della memoria forma un ritratto collettivo della vita così com'è vissuta, spesso nella vasta apertura della natura, in contrasto con i detenuti che piantano fauna nei confini di un laboratorio. Come se stessimo vedendo i ricordi vivi del film stesso.
